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Deuxieme Epoque
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Nouv.
Voix de vie, voix de scène : Guide de préparation aux arts et métiers de la parole
Gérard Santi
- Deuxieme Epoque
- Les Voies De L'acteur
- 12 Septembre 2024
- 9782377691265
Incité par ses élèves, par des professionnels du théâtre et de l'enseignement technique lié à la voix qu'il accompagne depuis les années quatre-vingt-dix, Gérard Santi s'est résolu aujourd'hui à laisser une trace écrite de sa façon d'enseigner l'utilisation de la voix dans l'interprétation et toute sorte de pratiques oratoires.
Il y a quelques décennies et encore assez récemment, la technique vocale était essentiellement associée aux cours de chant. Or, la technique de placement de la voix chantée n'est pas la même que pour la voix parlée et le mouvement du corps y est rarement pris en compte. En rassemblant dans cet ouvrage le fruit de ses recherches pédagogiques, l'auteur convie chacun à comprendre le fonctionnement de sa voix et à utiliser la force de la parole. C'est un véritable manuel qu'il propose, avec des exercices détaillés, des réflexions, des conseils, des anecdotes et de nombreux croquis explicatifs. -
Flamenco entre tradition et contemporanéité
Carolane Sanchez
- Deuxieme Epoque
- A La Croisee Des Arts
- 23 Mai 2024
- 9782377691203
Ce présent ouvrage tend à répondre à des questionnements sur le flamenco ayant émergé durant la pratique de la danse flamenco de Carolane Sanchez, l'étude est donc écrite depuis la posture de chercheuse, mais aussi d'interprète, de chorégraphe et de pédagogue. À travers la restitution d'une itinérance sensible entre Lyon, Séville, Madrid et la Chine, la docteure interroge dans cette étude ce qui fait flamenco, réévaluant par une méthode déconstructiviste des discours et gestes qui tendraient à définir ce qui fait " normes " (poncifs/vérités établies/stéréotypes) dans le flamenco. Elle déploie ainsi l'arborescence d'agencements de discours afin de questionner ce flamenco qu'on dit populaire, folklorique, gitan, voire pur...
Ainsi, cet essai démontre combien le flamenco est un genre artistique pluridisciplinaire issu d'une culture ancestrale. L'ouvrage rend compte des défenses esthétiques et idéologiques du flamenco depuis le XIXe siècle. Quel voyage propose l'expérience flamenco ? Quel serait ce corps flamenco à incarner ? Cheminant sur ce fil des discours voulant faire « centre », « norme » dans le flamenco, la chercheuse ébrèche certaines vérités établies. L'étude jongle entre analyses esthétiques fines du corps-performeur et mise en lumière de soubassements socio-économiques qui conditionnent la pensée d'un « flamenco carte-postale » exportés depuis l'Espagne, vecteurs de clichés. Passant de la « forme tradition » à l'intégration de formes artistiques plus périphériques, Carolane Sanchez investit de façon singulière la création flamenco contemporaine de Barcelone, à travers la figure du danseur Juan Carlos Lérida et sa démarche « flamenco empirique ». En étudiant les pas de côtés de ce dernier, elle expose de quelle façon l'artiste a envisagé le flamenco comme un terrain d'expériences. Le tout invite le lecteur à penser le réseau, la circulation, la relation, la différence, le multiple, la singularité comme des portes d'entrée possibles pour comprendre ce que signifie réellement le « flamenco ». Étant artiste-chercheuse, Carolane Sanchez mène dans cet ouvrage une poétique exploratoire articulant l'approche théorico-pratique. Mêlant analyse, critique et la méthode de ses projets « objets-créations » (performances vidéos documentaire, video-danses, photographies), elle défend une constitution heuristique des savoirs, grâce aux études des processus de création et de la mise en réflexivité de l'expérience. -
L'acteur et ses doubles
Guy Freixe
- Deuxieme Epoque
- Les Voies De L'acteur
- 15 Décembre 2021
- 9782377690862
Cet ouvrage, qui juxtapose esquisses personnelles et études analytiques, a pour objectif de penser le théâtre à partir de l'acteur, dans son rapport au corps, à l'espace, à la musique, au masque, au metteur en scène, aux traditions formelles européennes ou extra-occidentales, mais aussi aux conditions de l'exercice du métier. Ces relations, toujours entrelacées, interrogent les métamorphoses de l'acteur et fondent la poétique et la plasticité de son jeu.
L'Acteur et ses doubles vient dans la continuité du parcours d'auteur de Guy Freixe, à la fois comédien, metteur en scène, pédagogue et professeur des universités en arts de la scène qui, après Les Utopies du masque sur les scènes européennes (prix du Syndicat de la critique, «?meilleur ouvrage de théâtre?» en 2011), a publié La Filiation Copeau-Lecoq-Mnouchkine, en 2015, aux éditions l'Entretemps.
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écrire le cirque : l'aventure d'Archaos et la méthode ANCAR
Raquel Rache de andrade, Guy Carrara
- Deuxieme Epoque
- Domaines
- 12 Janvier 2023
- 9782377691029
Le cirque contemporain est un mouvement artistique récent qui se développe depuis une quarantaine d'années. Il a été jusqu'à ce jour traversé par une évolution fulgurante passant d'une quinzaine de compagnies au début des années quatre-vingt à plus de mille compagnies de cirque de création aujourd'hui en France.
Archaos, cirque de caractère, compagnie emblématique de cet art, a traversé plus de trente ans de créations avec plus de 20 spectacles qui ont tourné dans le monde entier, spectacles de divers formats, de 5 artistes sur le plateau à 100 personnes sur la piste. Ces pionniers du cirque contemporain ont sillonné la planète en inventant leur manière d'écrire le cirque. Fort de ces expériences et aventures artistiques, c'est par leur attrait pour l'écriture que les deux artistes Raquel Rache de Andrade et Guy Carrara se sont rencontrés au sein de la compagnie et ont développé ensemble une méthode à la portée de tous?: la Méthode ANCAR (contraction de leurs noms ANdrade et CARrara) qui comprend une trentaine d'exercices d'incitation et de formation à l'écriture.
Cette publication décrit leur parcours et leur méthode.
C'est tout d'abord le récit subjectif d'une aventure artistique, mêlé à l'exposé de réflexions théoriques sur l'acte d'écriture, qui constitue la première partie de l'ouvrage. Cet essai original pourra enrichir les centres de ressources au service des étudiants, des enseignants, des artistes de spectacle vivant et des chercheurs.
Ensuite, ce livre développe une seconde partie à visée pratique et pédagogique : la présentation de la méthode ANCAR. Avec cette forme éditoriale, il sera possible aux lecteurs de voir et revoir des exercices, et ensuite de les appliquer, les transformer... transmettre. C'est une invitation à écrire le cirque pour tout un chacun. Cette méthode peut être utilisée par les artistes pour leurs propres processus de création mais aussi pour les actions artistiques et culturelles qu'ils mettent en oeuvre auprès des publics scolaires et du champ social. C'est également un outil pour les enseignants de l'éducation nationale et les professeurs et élèves des écoles de cirque. C'est une méthode évolutive et adaptable, des artistes l'ayant déjà utilisée avec succès auprès de classes d'enfants dyslexiques et/ou dyspraxiques et également d'enfants en situation de handicap mental. Pour les publics en difficulté, ces exercices facilitent le passage de l'oral à l'écrit et dédramatisent l'acte d'écrire. -
Le théâtre et l'esprit du temps
Georges Banu
- Deuxieme Epoque
- A La Croisee Des Arts
- 17 Août 2023
- 9782377690985
L'ouvrage Le Théâtre et l'Esprit du temps propose un contenu qui permet d'examiner le théâtre dans la perspective de ses rapports avec ce qui surgit dans le présent et le bouleverse. Le livre dissocie les différentes positions à l'égard du « nouveau » et de son insertion sur la scène contemporaine. Georges Banu sépare ici les découvreurs de « l'esprit du temps » les lanceurs, les suiveurs et les épigones. Il s'agit d'un processus qui naît de l'émergence et de ses conséquences, jusqu'à l'érosion et l'épuisement de cette radicalité propre à « l'esprit du temps » notamment lorsque de grands artistes le mettent à jour.
À cela s'ajoutent les réflexions sur « le grand format et son incidence au niveau de la création et de la perception des spectacles longue durée », de même que l'examen de l'ouverture du théâtre vers d'autres arts, le roman ou encore le cinéma.
Le livre analyse également des motifs récurrents de la mise en scène tels que « le monde comme hôpital » ou « le croisement des durées », avec tout ce que cela entraîne et les solutions inédites qui permettent d'enrichir le champ visuel de la scène contemporaine.
Sur les trente chapitres du livre, une moitié est totalement inédite et une quinzaine avait fait l'objet d'une parution antérieure sous forme d'article dans une revue (Art Press, Alternatives théâtrales ou Études théâtrales). Ces chapitres ont été remaniés pour la présente édition et les revues ont autorisé la reprise des textes.
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La marche dans les arts du spectacle
Sylvain Diaz, Guillaume Sintès, Collectif
- Deuxieme Epoque
- Domaines
- 25 Avril 2024
- 9782377691180
La marche va-t-elle de soi?? La question peut paraître incongrue. Pourtant, la marche ne revêt aucune évidence?: elle est, à chaque instant, lutte contre la gravité qui nous entraîne vers le sol. Elle est d'autant moins évidente qu'elle est, par-delà sa physique, métaphorique, signalant le repli sur soi, le vagabondage, l'errance ou, au contraire, l'ouverture aux autres. Comment, dès lors, représenter la marche?? Si elle vaut pour tous les arts, cette question prend un sens particulier dans les arts vivants du fait de l'effectivité même de la marche. Elle est le mouvement zéro des corps qui se déplacent au plateau. À partir de ressources empruntées à l'anthropologie, à l'histoire, à la philosophie ou à la sociologie, il nous a semblé nécessaire de penser les pratiques de la marche des artistes d'aujourd'hui, chez qui la démarche confine souvent à la déroute. Dans les oeuvres étudiées, la marche échappe à toute destination comme à toute signification pour mobiliser non seulement les interprètes mais aussi les spectateurs mus par ce qui se joue non pas face à eux, mais avec eux. Conçus lors de la dernière crise sanitaire, les chapitres de cet ouvrage ont été écrits à un moment où la marche n'allait plus de soi. Sinon impossible, elle était restreinte et contrainte par les pouvoirs publics. Aussi avons-nous pensé ce livre comme une invitation au voyage à travers les représentations de la marche dans les arts vivants contemporains.
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Krystian Lupa, les acteurs et leur rêve
Agnieszka Zgieb
- Deuxieme Epoque
- Les Voies De L'acteur
- 2 Juillet 2020
- 9782377690824
« L'acteur, lorsqu'il crée son personnage est comme un cavalier qui part à la bataille sur son cheval... ou plutôt comme un cheval avec son cavalier, qui ressent le mouvement de son maître et subit les coups d'éperons. C'est un centaure. ».
Il n'existe pas de « méthode Krystian Lupa » : il faudrait plutôt dire que, chez lui, « la méthode » résulte de la matière. Une méthode ferait de l'acteur un esclave de mécanismes déjà testés et que l'on répète, elle anéantirait la possibilité d'en apprendre plus sur nousmêmes, effacerait toute réflexivité. En quoi consiste alors l'apport de Lupa ? Comment aborder sa pédagogie ?
C'est en interrogeant l'artiste et ses acteurs qu'Agnieszka Zgieb ouvre au lecteur des pistes de réflexion et dévoile le processus de création de spectacles qui ont fait le tour du monde car qui, mis à part Krystian Lupa lui-même, serait mieux placé pour parler de sa direction d'acteurs que celles et ceux qu'il a choisis, avec lesquels il passe tant de mois de répétitions et de représentations ?
Chez Lupa, tout part de l'humain et du rêve. Voilà ce que nous livrent, dans ces entretiens, les acteurs polonais, lituaniens et français, ainsi que Krystian Lupa lui-même. Au croisement des manifestes, de la poésie et du témoignage intime, ces textes - richement illustrés de photographies de tournages et de répétitions - ont été obtenus grâce à la « complicité magique » que chacun d'entre eux entretient avec Agnieszka Zgieb.
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Terres communes : vies et morts dans la rue ; du web-doc au théâtre, une traversée documentaire
Alix Denambride, Emmanuel Vigier, Béatrice Picon-vallin
- Deuxieme Epoque
- Domaines
- 28 Avril 2022
- 9782377690800
Le regard porté sur ceux qui vivent et qui meurent dans l'espace public des grandes villes de France, a provoqué chez deux artistes, un vidéaste et une metteure en scène, le besoin d'explorer cette réalité et de mettre en lumière ces traces de vie à travers leurs médiums. Ce sera Terres communes le web-documentaire d'Emmanuel Vigier (2012) et Terre commune la création théâtrale d'Alix Denambride (2017).
Ce troisième acte est le récit de l'ensemble d'un parcours artistique depuis le regard et les images du web-documentaire d'Emmanuel Vigier jusqu'à l'espace public où se joue la fiction dramatique, écrite et interprétée par Alix Denambride dans sa version française.
L'introduction de Béatrice Picon-Vallin et l'entretien approfondi qu'elle conduit avec les deux auteurs offrent une compréhension et une analyse de «dix ans d'une traversée documentaire sur un sujet impossible». Ensemble, ils nous font découvrir les différents aspects de ce travail au long cours. Ils révèlent les modalités de passage à la fiction et les rapports entretenus entre les artistes et leurs équipes, dans un lien solide avec des gens de la rue et ceux qui les accompagnent.
Les deux auteurs esquissent les portraits de Mireille, Michaël et Étienne, ces trois personnages qui existent dans la réalité et ont nourri la fiction. L'ouvrage se conclut par une entrevue avec le Collectif Les Morts de la Rue (C.M.D.R.), une structure dont l'une des priorités est de faire savoir que beaucoup de personnes qui vivent ou ont vécu à la rue en meurent, seuls. Ce livre a deux objectifs : contribuer à la découverte des écritures artistiques en espace public, et donner accès à des éléments de connaissance et de réflexion sur un aspect le plus souvent ignoré de notre société, ces «terres communes» qui prennent, avec les nouvelles crises que nous rencontrons, encore davantage de résonance. -
Le théâtre de la lumière
Laurent Castaingt
- Deuxieme Epoque
- A La Croisee Des Arts
- 21 Septembre 2023
- 9782377691005
La lumière peut tout modifi er, tout exalter ou tout occulter. Comme l'écrit le scénographe Adolphe Appia, quand les formes et les couleurs cherchent à exprimer quelque chose, la lumière, elle, dit : « Je suis, les formes et les couleurs n'existeront que par moi. » Cet ouvrage ne s'adresse pas qu'aux artisans du théâtre, créateurs et techniciens, mais à tout lecteur curieux. Il est destiné à nous rendre attentifs à ce que la lumière peut transformer et à ce qu'elle nous inspire - au théâtre, dans l'art, et in fi ne tout autour de nous.
La lentille convexe qu'est le théâtre absorbe et renvoie les images du monde réel et celles des autres arts. Pour cette raison, illustrations, peintures, sculptures et architectures qui sont chères à l'auteur sont reproduites et explorées ici, auprès d'images des spectacles dont il a créé les éclairages et parfois la scénographie.
En cheminant ainsi entre ombre, lumière et couleur, en découvrant les stratagèmes des peintres et des sculpteurs pour donner du mouvement à ce qui n'en a pas, nous apprenons à observer diff éremment le réel et l'infi nité des changements qui nous entourent, entre jour, pénombre et refl ets, à comprendre pourquoi une image nous rend heureux ou une autre mélancolique. Ce témoignage de trente ans de créations est une approche sensible, qui tente de nous faire saisir pleinement combien la lumière modifi e nos vies. -
Le silence au théâtre, au cinéma et en musique
Norbert Aboudarham
- Deuxieme Epoque
- Linearis
- 30 Juin 2022
- 9782377690947
Pour Joseph Haydn, le plus difficile à écrire, c'est le silence. L'écriture de Marguerite Duras est, selon elle, à mi-chemin entre la musique et le silence. John Cage compose 4 minutes 33 de silence. En écrivant Acte sans paroles au XXe siècle, Samuel Beckett fait entrer en scène le silence.
Improprement qualifié de « théâtre de l'absurde » (qualificatif réfuté par Beckett, Ionesco et Adamov), le théâtre du XXe siècle n'est-il pas un « théâtre du silence » ? Et si le silence de ce théâtre était une renaissance ? La naissance d'un théâtre sans mots ? Paroles, silence, vide, corps et gestes, le « théâtre du silence » sillonne les traces d'une écriture nouvelle. Théâtre, musique, danse... Leurs silences sont-ils des textes en creux qui disent l'indicible ? Quels buts poursuivent les artistes dans l'acte d'écrire, de composer le silence ? L'auteur cherche, ici, les raisons fondamentales, esthétiques, mais aussi idéologiques des écritures du silence. Puis dans un dernier chapitre, il propose des exercices sur le silence, à l'usage des comédiens et pédagogues. -
Dans divers champs artistiques, en danse en particulier, la référence à la « contemporanéité » est fréquemment utilisée et se retrouve sur nombre de continents. En même temps, elle fait l'objet de différentes interprétations selon les espaces géographiques, leur histoire, le contexte social, économique, politique, mais aussi selon les chorégraphes et les danseurs, ce qui rend impossible une définition générale. De plus, une pluralité de termes et de notions entre en jeu pour nommer ce phénomène qui n'a pour l'instant pas trouvé de consensus : fusion, hybridation, métissage, modernité, branchement... Ce volume se propose ainsi de traiter de la notion de « contemporanéité » dans les pratiques chorégraphiques scéniques, de considérer ses définitions, ses utilisations, ses enjeux. Il s'agit plus précisément de saisir la manière dont les acteurs l'interprètent et l'utilisent en mettant en regard l'Afrique et l'Asie du Sud. Comment les praticiens se positionnent-ils ? Quelles transformations, quelles dynamiques, quels paradoxes entraînent, ou non, le passage à la « scène contemporaine » ? Y a-t-il des logiques communes et des relations entre Afrique et Asie du Sud sur ce point et/ou des spécificités propres à chaque continent et même à chaque pays ?
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Si l'Histoire a accueilli dans son rang la révolution de Mai 68, celle du mois de juillet qui traversa le Festival d'Avignon semble avoir été reléguée à sa marge. Pourtant, la XIIe édition du festival, sous la direction de Jean Vilar ; déchaîna les passions avec la même intensité que celles qui habitaient et agitaient les acteurs des contestations printanières ayant ébranlé le pays jusqu'à la dissolution de l'Assemblée.
Se rejouait à Avignon la révolution alors étouffée par Charles de Gaulle, et le festival devint ainsi le théâtre de tensions entre les ennemis du " supermarché de la culture " et les défenseurs d'une conception vilarienne du théâtre populaire. Le LivingTheatre, invité à présenter trois pièces - dont la création Paradise Now - cristallisa beaucoup de ces tensions de par ses prises de position. Avignon 1968 et le Living Theatre est une immersion dans ce mois d'été 1968 avignonnais : un voyage dans le temps pris en charge par des témoins ayant vécu les évènements de juillet et dont les entretiens sont retranscrits dans ce volume, mais aussi par ceux qui sont revenus sur cette période passionnée par le biais de la fictionnalisation.
La réactualisation de ces souvenirs rend compte de crises continuant à secouer un monde de la culture qui n'a de cesse d'interroger les rapports entre l'art et le politique (l'institution, la révolution) mais aussi entre l'art et le poétique (le beau, le transcendant).
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Les cinq continents du théâtre
Eugenio Barba, Nicola Savarese
- Deuxieme Epoque
- 22 Octobre 2020
- 9782377690343
« D'où est-ce que je viens ? Qui suis-je ? Où est-ce que je vais ? Pour répondre à ces questions nous devons revoir dans une autre perspective les innombrables formes, expériences, vestiges et mystères que l'histoire de notre profession nous lègue. C'est la seule façon de nous construire une boussole personnelle pour traverser les cinq continents de notre métier : quand, où, comment, pour qui et pourquoi on fait du théâtre. » Ce livre, parmi les plus ambitieux jamais écrits sur le théâtre, conjugue étonnamment le charme d'une illustration exubérante et l'exigence d'un propos savant sur l'art de l'acteur. Il remplit donc une mission de vulgarisation doublée d'une contribution encyclopédique à l'histoire du théâtre et d'un corpus de références techniques et esthétiques qui en feront un outil pour les praticiens et une invitation au voyage dans le temps et dans l'étendue de toutes les cultures pour les lecteurs non spécialistes.
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Le masque scénique dans l'Antiquité
Giulia Filacanapa, Guy Freixe, Brigitte Le guen, Collectif
- Deuxieme Epoque
- A La Croisee Des Arts
- 3 Novembre 2022
- 9782377690749
Les études sur le théâtre antique examinent essentiellement les pièces d'Eschyle, Sophocle, Euripide, Aristophane, Sénèque ou Plaute. Ces écrits nous cachent cependant l'appareillage scénique, pourtant capital à cette théâtralité où la parole ne faisait qu'un avec la musique et la danse. Et parmi ces éléments du langage scénique, bien plus que le costume, les accessoires ou le décor, le masque occupe la première place. L'acteur, durant des siècles, des premières Dionysies sous l'acropole d'Athènes aux représentations du fin fond oriental de l'empire gréco-romain, n'a joué que masqué. Or, le masque, fondamental pour comprendre cette dramaturgie, a été ignoré dans sa réalité d'objet scénique.
Il est grand temps de réévaluer cette période de notre histoire des arts du spectacle et de le faire à partir de cet outil essentiel du jeu de l'acteur qui modifie la perception et induit un type de représentation ainsi qu'un rapport particulier du spectateur à la scène.
Ainsi, pour la première fois, les grands genres du théâtre gréco-romain (tragédie, comédie, drame satyrique, pantomime, atellane, comédie palliata) seront abordés à partir du masque lui-même, tel qu'il était utilisé dans ces formes de jeu. Comprendre le masque antique, ses fonctions et usages, ses évolutions, sa typologie, voilà l'ambition de cet ouvrage qui croise les études de chercheurs reconnus et les expérimentations de plateau.
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Générik Vapeur, 40 ans de théâtre de rue : trafic d'acteurs et d'engins
Bertrand Dicale, Michel Peraldi
- Deuxieme Epoque
- Domaines
- 28 Novembre 2023
- 9782377691227
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Comment mettre en place des protocoles d'expériences permettant aux artistes et aux chercheurs d'étudier les connaissances implicites des performers ? Quelle conscience les neuroscientifiques ont-ils de la variabilité des résultats qui pourrait résulter d'une même étude impliquant des acteurs de différentes écoles de jeu (kathakali, butô, mime corporel, etc.) ? En quoi la pratique du spectacle vivant met-elle en jeu ce que le metteur en scène Eugenio Barba nomme « les connaissances implicites » dans le domaine des sciences de la vie ? Pourquoi les acteurs sont-ils perçus comme sincères par certains et menteurs par d'autres ? La lecture des articles de vulgarisation scientifique est-elle suffisante pour les chercheurs en arts du spectacle vivant ? Une thèse de doctorat qui ne repose pas sur des expérimentations est-elle valable ? Comment reconnaître une donnée scientifique d'une donnée parascientifique ? Pour faire de la veille documentaire, quelles revues consultez-vous régulièrement ? La maîtrise de l'anglais est- elle nécessaire si l'on s'intéresse aux neurosciences ? Quels sont les aspects du spectacle vivant qui seraient intéressant à étudier pour les neurosciences ? En quoi l'approche scientifique du corps peut-elle être un frein à l'imaginaire ? L'émotion vraie fait-t-elle plus forte impression que l'émotion jouée par l'acteur ? Le même corps peut-il se faire l'interprète de cultures différentes ? Qu'en est-il de la mémoire du corps ? Comment l'ethnoscénologie combine-t-elle anthropologie, esthétique et sciences de la vie ?
À Meyerhold qui le félicitait d'avoir résolu le problème de l'âme, Pavlov avait répondu : « Vous savez, tout cela est beaucoup plus compliqué que vous ne le pensez. »
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Comment se construit un récit burlesque au théâtre ? Comment pratiquer le jeu burlesque ? Comment est né ce genre comique à la frontière di comique et du tragique ? L'ouvrage est une invitation au pays de l'absurdie. Norbert Aboudarham nous donne les codes du burlesque au théâtre au travers de son expérience pédagogique menée depuis 20 ans. Cette édition est augmentée d'un chapitre sur « l'être là » qui analyse les clefs de la présence de l'acteur liès au « jeu masqué sans masque ».
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Louis Jouvet ; artisan de la scène, penseur du théâtre
Eve Mascarau
- Deuxieme Epoque
- 29 Mars 2018
- 9782377690268
Jouvet, qui donnait une place fondamentale au concret de la scène, considérait son art comme un artisanat qui repose avant tout sur la pratique et le travail matériel en amont de toute représentation : texte, plateau, matière, corps, sensations. Penseur du théâtre, il l'était plus qu'aucun autre, lui qui, inlassablement, a toute sa vie consigné pensées, aphorismes et réflexions dont ses archives foisonnent, à côté des quelques ouvrages connus.
En effet, alors que le nom de Jouvet est connu de tous et que chacune de ses répliques résonne immédiatement à l'oreille de qui entend son nom, ses écrits et plus généralement ses archives restent relativement inexploités. Grâce à ce fonds d'archive considérable constitué de documents inédits, le lecteur trouvera dans cet ouvrage les premiers grands travaux concernant Louis Jouvet - montrant ainsi qu'il a sans doute été l'un des premiers metteurs en scène de l'ère contemporaine en ce sens qu'il est l'initiateur du texte dramaturgique.
Et si le metteur en scène et l'acteur en Louis Jouvet ont bénéficié d'une forte reconnaissance dans le monde du théâtre, Louis- Jouvet pédagogue est certainement le plus méconnu. Pourtant pédagogue extraordinaire, il a encore beaucoup à apprendre aux acteurs et autres professionnels du théâtre d'aujourd'hui.
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Une interrogation traverse les grandes réformes du théâtre moderne : le rapport de l'acteur, corps de chair, à la sculpture, corps de pierre. Pour devenir « art », la scène engage le dialogue avec les autres arts et c'est à sa relation, jamais étudiée auparavant, avec la sculpture, que ce livre se consacre. Sculpture qui intervient comme une image de combat dans la lutte contre la tentation réaliste que peut nourrir le corps vivant de l'acteur et dont il s'agit de se libérer pour bon nombre de gens de théâtre, d'Adolphe Appia à Vsevolod Meyerhold et d'Étienne Decroux à Jerzy Grotowski ou Eugenio Barba. Ils se placent à la frontière entre le corps vivant et le corps sculpté et s'inspirent pleinement de cet « ailleurs ». De l'autre côté, se dessine la famille qui va de Maurice Maeterlinck et Edward Gordon Craig à Tadeusz Kantor ou même Jean Genet - où les enjeux de la référence à la statuaire associent à la dimension purement plastique une dimension que l'on peut qualifier de métaphysique, au sens d'Antonin Artaud.
Il s'agit ici de placer le théâtre au coeur du dialogue avec l'art de la sculpture et de convoquer les propos et les visions des historiens de l'art ou d'un Auguste Rodin, Antoine Bourdelle ou Alberto Giacometti afin d'éclairer conjointement la quête du théâtre et la sculpture. Monique Borie pose la question et interroge les enjeux de la matière aussi bien que les tensions entre le vivant et l'inerte, le mouvement et l'immobilité, la vie et la mort. Elle se situe au carrefour des arts en découvrant comment le corps de pierre regarde du côté du corps de chair. Tandis que le théâtre, lui, art du corps de chair, regarde du côté du corps de pierre.
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Danser en 68 ; perspectives internationales
Collectif
- Deuxieme Epoque
- Linearis
- 10 Janvier 2019
- 9782377690480
Les acteurs, les oeuvres et les pratiques en danse n'ont pas été étrangers aux « années 68 ». Aucun ouvrage, dans la large bibliographie consacrée à ce moment politique et culturel intense à l'échelle internationale ne s'est intéressé aux champs chorégraphiques. Ils s'y révèlent pourtant complexes, audacieux, inventifs, militants, parfois radicaux, explosifs, mais aussi contradictoires et souterrains.
À travers une série d'études menées par des chercheurs de nombreux pays, cet ouvrage développe une perspective internationale.
En faisant varier les échelles, il rend compte des spécificités locales, nationales autant que des circulations des références, des répertoires dansés mais aussi des répertoires d'actions, des représentations, des préoccupations et des contestations.
En mettant en regard différents contextes nationaux (Japon, États-Unis, Allemagne, Brésil, Argentine, Algérie, France, Italie, Cuba, U.R.S.S.), apparaissent des niveaux d'adhérence plus ou moins forte au moment 68 révélant la concordance, la disjonction ou la persistance des temps politiques, sociaux, culturels et esthétiques. L'ouvrage interroge quatre dimensions dans ces années 68 : les mémoires des guerres et la (dé)construction des corps ; les stratégies de résistance chorégraphiques et les modes d'émancipation des danseurs ; les contre-cultures gestuelles et les militances diffuses ; les pouvoirs institutionnels des compagnies nationales et les contre-pouvoirs des collectifs comme des sujets. Cet ouvrage croise esthétique, histoire culturelle, histoire sociale, anthropologie, et diverses pratiques en danse (« classique », « moderne », « jazz », « butô », « contemporain », « traditionnelles »). Autant de modes d'entrée qui traitent des contextes différents : danser après-guerre, danser sous les dictatures, danser pendant la Guerre froide, danser en mai-juin 68, danser pour les Indépendances, danser en écho des luttes (pacifiste, anti-impérialiste, anti-colonialiste, anti-raciste, féministe, homosexuelle, écologiste).
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Les carnets Tome 4 : 15 juillet 1986 - mai 1995
René Allio
- Deuxieme Epoque
- Une Vie Dans L'art
- 12 Janvier 2023
- 9782377690923
René Allio, d'abord peintre, scénographe, créateur de costumes et de décors pour la scène, se lance dans la réalisation cinématographique tardivement, à l'aube des années soixante.
Mais dès 1958 il consigne dans des carnets, qu'il tient jusqu'à sa mort, survenue en 1995, ses questionnements artistiques et existentiels, sa lecture des oeuvres d'autres cinéastes ou écrivains, ses analyses des évènements culturels, politiques et sociaux contemporains.
Dans ce quatrième et dernier volume, le lecteur découvrira que malgré la maladie, l'auteur ne renonce à rien, ni sur le plan personnel, ni sur le plan travail. Il poursuit ses créations pour le théâtre et l'opéra mais c'est le 7e art qui le galvanise. Après avoir achevé Un Médecin des Lumières, dont l'action se situe à la veille de la Révolution française, il se lance dans Transit, ancré à Marseille, sous l'Occupation. Il signe aussi deux documentaires pour la télévision, le premier dévolu à Jean Vilar, le second, produit par Robert Guédiguian, à sa ville natale Marseille, vieille ville indigne. Entre-temps il rejoint l'architecte Paul Chemetov et son équipe pour concevoir la scénographie de la Grande Galerie de l'Évolution du muséum national d'Histoire naturelle. Sa « caravane des animaux » ainsi que ses mises en lumières et en sons transforment durablement la muséographie mondiale.
La Camarde fauche René Allio en pleine création. Ni Le Bon Petit Henri, fi lm-odyssée qui le hantait depuis des années, ni le portrait de Rilke qu'il avait entrepris avec Les Films d'Ici ne verront le jour.
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La Moitié du Ciel et Nous fait suite à une rencontre entre Armand Gatti et Ulrike Meinhof, ancienne journaliste, cofondratrice de la Fraction Armée Rouge (plus connue en France sous le nom de « Bande à Baader-Meinhof »), qui s'est livrée à des attaques armées contre les bases militaires de l'armée américaine, en pleine guerre du Vietnam.
Alors qu'Ulrike Meinhof et plusieurs de ses camarades sont incarcérées à la prison pour femmes de la Lehrterstrasse, Gatti s'arrange pour écrire cette pièce avec elles, par l'intermédiaire de leurs avocats.
Il s'agit donc d'un livre hommage : hommage aux femmes qui « portent la moitié du ciel » si l'on en croit le proverbe chinois, y compris celles qui prirent part à la tourmente révolutionnaire et envers lesquelles l'opinion publique, la presse et la justice de l'époque ont été impitoyables ; hommage à ce texte original longtemps disparu et retrouvé à la bibliothèque universitaire de Paris 8 ; hommage encore au regretté Armand Gatti, poète, journaliste et homme de théâtre dont la trace lumineuse accompagnera longtemps plusieurs générations d'acteurs et de spectateurs.
« La Moitié du ciel, c'est jamais la même pour moi... Le plus souvent c'est l'autre, celle que je ne suis pas en train de chercher...»
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Elizabeth Taylor ; la belle imprudente
Christian Limouzy
- Deuxieme Epoque
- 15 Février 2018
- 9782377690084
Elizabeth Taylor occupe une place à part dans le panthéon hollywoodien, dont elle fut incontestablement l'une des dernières légendes - sinon LA dernière, en raison de l'éclosion de son talent précoce, d'une vie tapageuse, voire scandaleuse pour l'époque, contribuant à forger son image contrastée, à la fois angélique et sulfureuse. Une personnalité ambivalente conjuguant magnétisme et superficialité, naturel et sophistication. Elle disait elle-même avec humour : « Dans la vie, il n'y a pas que l'argent... il y a aussi les fourrures et les bijoux ! » Amie fidèle, comédienne multiforme, femme fatale et femme d'affaires avisée, elle s'est également distinguée par de puissants engagements en faveur de causes humanitaires, notamment la lutte contre le Sida dès la découverte de la maladie. Sa détermination et son opiniâtreté furent à l'origine d'une mobilisation salutaire contre ce fléau. Au lieu de plonger sans réserve dans les clichés de « croqueuse d'hommes », de « star hollywoodienne » et de « femme aux diamants », ce livre permet une approche à la fois thématique, biographique et filmographique de la vie d'Elizabeth Taylor.
Nombreux sont les liens avec des revues populaires, les références aux allures glamour de l'actrice ou encore les citations de ses tweets : une dimension qui, loin d'être anecdotique, a servi les grandes causes qu'elle a défendues. Ce sont les multiples facettes de la personnalité d'une des actrices les plus éminentes du XX e siècle qui sont ici révélées.
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Le corps, ses dimensions cachées
Collectif, Guy Freixe
- Deuxieme Epoque
- 12 Octobre 2017
- 9782377690183
La modernité a inventé de nouvelles subjectivités grâce notamment à un changement profond de sa conception de la corporéité. Le corps, lieu de projection de l'identité personnelle, a été la fabrique de l'identité moderne. Entre l'écriture dramatique et l'écriture scénique, la force d'apparition prise par le corps de l'acteur au début du XXe siècle a été un événement essentiel. Aujourd'hui, les enjeux liés à cette prédominance de la pensée du corps en scène et de son émancipation dans la représentation sont vastes et complexes.
Le corps, tel qu'il est questionné dans cet ouvrage, tient à la fois du corps visible et de l'invisible qui, comme son ombre, l'accompagne. Dans une perspective pluridisciplinaire, à la croisée des arts du théâtre, de la danse, du mime, du cirque, de la marionnette, nous souhaitons interroger dans cet ouvrage le corps prismatique de l'acteur-performeur, entre organicité et artifice, plasticité et insoumission, fêlure et énigme.
Un corps qui ouvre un au-delà du sens et du sensible, et rayonne à partir du mystère de l'en-dedans.
