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Silvana
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Tina Modotti (Udine, 1896 - Mexico, 1942) - actrice, photographe, muse d'artistes tels qu'Edward Weston et Diego Rivera, activiste politique, pamphlétaire - a vécu en protagoniste les événements les plus signifi catifs de la première moitié du XXe siècle : à savoir la vivacité culturelle de la Renaissance mexicaine, la révolution cubaine, la période héroïque de l'Internationale communiste, au cours de laquelle son crédo politique se traduisit par des actions audacieuses, voire périlleuses et hors-normes.
Cet ouvrage dresse un portrait vivant et articulé d'une femme extraordinaire, à travers près de cent photographies où la recherche d'une absolue perfection formelle se conjugue à la capacité d'adhérer avec ténacité et passion aux pulsations de la vie.
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De la cathédrale Notre-Dame de Paris, on connaît l'architecture gothique et l'intervention de Viollet-le-Duc, mais beaucoup moins les tableaux peints qui l'ont ornée au fil des siècles. Le présent ouvrage explique les étapes de la constitution de ce décor, depuis la collection des « grands mays » inaugurée en 1630 jusqu'aux XIXe et XXe siècles. À travers l'histoire de chacune des oeuvres peintes présentes dans l'édifice à la veille de l'incendie de 2019 et de leur restauration en 2022-2023, la cathédrale apparaît aussi, du XVIIe siècle à nos jours, comme un écrin d'objets d'art et de piété de qualité exceptionnelle.
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Nouv.
Entre 1910 environ et le milieu des années 1930 apparaît dans l'oeuvre de Pierre Bonnard un vase au décor assez banal de branches, de feuilles et de fruits de cerisiers. Objet né avant 1911 dans les ateliers de la faïencerie Lebacqz & Bouchart dans le nord de la France, ce pichet à eau a fasciné le peintre au point qu'il réalise une trentaine de tableaux - presque exclusivement des natures mortes mais aussi un nu et deux intérieurs. On sait que les objets rares intéressaient fort peu le peintre qui avait besoin de vivre durablement avec un objet pour en scruter sa valeur intrinsèque. Métamorphosé par la couleur, l'objet semble à chaque fois différent, parfois méconnaissable. L'exposition est l'occasion de donner un éclairage particulier à cet objet culte pour un «?bonnardien?», inspirant pour le peintre qui a fait des émules sur ce sujet. Il a inspiré une trentaine de peintures toutes reproduites dans ce catalogue sous la direction de Véronique Serrano. Un tiers est présenté dans l'exposition, ainsi que des dessins.
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Nouv.
Jean Lurçat (1892-1966) s'est illustré en tant que peintre cartonnier de tapisseries, mais sa créativité s'est aussi exprimée à travers la peinture, le dessin, la gravure, les décors de théâtre, l'écriture et l'illustration. L'artiste a également contribué au renouveau de la céramique dans les années 1950. Il compte ainsi parmi les peintres qui ont hissé au rang d'art un domaine longtemps associé à une production utilitaire, artisanale ou industrielle. L'univers de la céramique d'art ouvre à Jean Lurçat un nouvel espace de liberté qui comble son avidité créatrice durant quasiment seize années, de 1951 à 1966. Le médium devient alors l'un des maillons de son langage esthétique. Par l'exploration de fonds d'archives inédits, ce catalogue propose de faire le point sur l'édition des faïences que Lurçat réalise exclusivement à Perpignan, dans l'atelier Sant Vicens. Deux fois par an, avec une curiosité mêlée de fascination pour l'alchimie de la terre, de l'eau, de l'air et du feu, il vient y émailler ses prototypes. En miroir du foyer potier de la Côte d'Azur où règne Picasso, Lurçat choisit l'héritage catalan non seulement par affinités amicales et pour la qualité de vie roussillonnaise, mais aussi en souvenir de la guerre d'Espagne qui l'a particulièrement touché. Perpignan est alors le laboratoire de ses recherches artistiques où, annuellement, il présente ses créations récentes. Grâce à leur dimension décorative et au pouvoir de l'édition numérotée, celles-ci sont entrées dans l'univers quotidien d'un large public.
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Peindre à Paris aux XVe-XVIe siècles
Collectif
- Silvana
- Peindre En France A La Renaissance
- 12 Avril 2024
- 9788836654642
Peindre à Paris aux XVe-XVIe siècles est le douzième et dernier volume de la série de renommée internationale Peindre en France à la Renaissance. Un projet d'envergure qui propose une remise en question de la vision communément admise de la peinture produite dans le royaume de France, aux XVe et XVIe siècles. Ce cycle de publications vise à reconstruire la dynamique des échanges artistiques entre les principaux foyers de production, en tenant compte de toutes les techniques alors utilisées par les peintres, et en accordant une attention particulière aux réseaux entrecroisés des commanditaires. Sur le plan théorique, il cherche à mieux comprendre les mécanismes propres à la circulation des modèles, des oeuvres et des artistes. Ce programme a acquis une visibilité internationale, en ouvrant nombre de pistes nouvelles et en redécouvrant des pans entiers de la Renaissance française.
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On ne présente plus Eugène Atget (1857-1927), le célèbre photographe autodidacte qui immortalisa le « Vieux Paris » au tournant du XXe siècle. Pourtant cet ouvrage aborde l'homme et l'artiste sous un jour inédit. Il relate ses liens avec Libourne, sa ville natale. Il laisse la parole à des photographes actuels qui éclairent le lecteur sur la fascination qu'exerce encore aujourd'hui ce personnage. En même temps, le néophyte y trouvera les repères historiques indispensables pour mesurer l'ampleur de son entreprise : en un peu plus de trente ans, Atget a capturé près de dix mille images dans une démarche documentaire, d'inventaire même. Mais ses clichés témoignent également d'une sensibilité et d'une poésie toutes particulières. C'est le sujet de l'exposition « Eugène Atget, poète photographe » à l'origine de ce livre, organisée par le musée des Beaux-Arts de Libourne avec la collaboration exceptionnelle du musée Carnavalet - Histoire de Paris, Paris Musées. La plupart des oeuvres exposées y sont reproduites et organisées autour des grandes thématiques illustrant le travail d'Eugène Atget.
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Nouv.
Viser juste : Pétanque et jeu provençal dans l'objectif de Hans Silvester
Collectif
- Silvana
- 28 Août 2024
- 9788836656462
Dans les années 1960-1970, le photographe Hans Silvester découvre la pétanque et le jeu provençal. Des villages du Luberon ou du Pays d'Arles, jusqu'à Marseille ou Saint-Tropez, le photographe se fait une place dans les cercles de joueurs. Par un patient travail d'observation, il capte les multiples facettes de cet univers, dépassant le cliché du simple divertissement convivial.
Ses images immortalisent les gestes techniques autant que la sociabilité qui s'organise autour des joueurs de boules. Il en résulte une galerie de portraits surprenants, pris sur le vif dans des cadres qui reflètent la diversité de la Provence.
L'exposition Viser juste : pétanque et jeu provençal dans l'objectif de Hans Silvester présentée au Museon Arlaten-musée de Provence propose une approche transversale artistique, ethnographique et historique.
Cet ouvrage en est le reflet, il décrypte et détaille ce que les images suggèrent.
Né en 1938, Hans Silvester incarne la figure emblématique du photographe globetrotter. Ancien reporter de l'agence Rapho, il porte sur le monde un regard généreux et inquiet. Engagé dans la cause environnementale, il reçoit en 2022 le Prix international Planète Albert Kahn. -
Nouv.Ce titre est destiné à un public majeur.
26e Biennale internationale de Vallauris : Création contemporaine et céramique
Collectif
- Silvana
- 28 Août 2024
- 9788836657933
Ce volume célèbre la céramique contemporaine à l'occasion de la 26e Biennale internationale de Vallauris/Création contemporaine et céramique. Née à l'été 1966 sous l'égide de Pablo Picasso et d'André Malraux, créative et innovante, la Biennale d'aujourd'hui met en avant l'émergence des nouvelles manières de créer, avec une orientation marquée vers les technologies actuelles, mais aussi un retour aux savoir-faire ancestraux. Pour cette 26e édition et son concours, le jury a sélectionné 25 artistes représentant 14 nationalités différentes, dans le but d'encourager, de faire connaître et de récompenser des créateurs talentueux qui explorent les possibilités infinies offertes par le médium céramique. Cette sélection éclectique, alliant artistes reconnus et talents émergents, témoigne de la richesse et de la vitalité du paysage de la céramique contemporaine. Ce catalogue, spécialement édité pour l'occasion, présente les oeuvres choisies, exposées au musée Magnelli, musée de la Céramique. Une opportunité de découvrir ou d'affiner sa connaissance du meilleur de la création contemporaine céramique internationale.
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Nouv.
Supports / surfaces : La collection publique du Luxembourg
Collectif
- Silvana
- 28 Août 2024
- 9788836657674
Dernier mouvement d'avant-garde de l'art français du XXe siècle, Supports/Surfaces marque un tournant important, prônant le rejet des supports de peinture traditionnels au profit d'une exploration plus conceptuelle de la matérialité de la toile. Certains artistes dépassent même les limites de la peinture dans leur approche artistique en direction de la sculpture et de l'installation. Bien que le mouvement ait atteint son apogée dans les années 1970, ses idéaux de liberté, d'expérimentation et de remise en question des conventions établies continuent d'influencer de nombreux artistes.
Les premières acquisitions depuis 1994 et les efforts systématiques ultérieurs ont permis au Musée national d'archéologie, d'histoire et d'art du Luxembourg (MNAHA) de constituer une collection Supports/Surfaces remarquable. Elle renferme actuellement trente-huit oeuvres de la période 1966-1985, dont nombre d'oeuvres monumentales. Tous les artistes importants du mouvement y sont représentés avec des oeuvres historiques et de qualité muséale. La collection du MNAHA compte ainsi parmi les ensembles Supports/Surfaces les plus intéressants en Europe et au-delà, illustrant les aspects importants de ce mouvement artistique français innovant.
Cette publication paraît à l'occasion de la première présentation de l'ensemble de la collection à partir de juillet 2024. -
De la toile à l'étoffe : Collection Philippe Deverdieu, musée de dentelles et broderies de Caudry
Collectif
- Silvana
- 12 Avril 2024
- 9788836651054
Le musée des dentelles et broderies de Caudry détient un fonds de vingt-et-une créations originales, réalisées et données par le couturier contemporain français Philippe Deverdieu. Ces créations, réalisées spécifiquement pour sa double exposition au musée des dentelles et broderies de Caudry et au musée des beaux-arts de Cambrai en 2017, sont le fruit d'un rapprochement inédit entre beaux-arts et haute couture, entre peinture et dentelle.
Sublimant la dentelle de Calais-Caudry, Philippe Deverdieu a conçu ces robes et tenues à partir des collections du musée des beaux-arts de Cambrai, apportant un regard inédit sur les oeuvres, à la croisée des médiums et des techniques artistiques.
Ce présent ouvrage réunit l'ensemble de la collection Philippe Deverdieu présentée en confrontation avec les oeuvres picturales qui ont vu leur émergence, accompagné d'un essai relatant son processus créatif. Témoignage d'une expérience singulière entre deux musées du Cambrésis, il donne à voir - et à lire - une approche nouvelle de la peinture, tant ancienne que contemporaine, par le truchement d'un savoir-faire dentellier bicentenaire. -
Nouv.
Le FITE - Biennale Textile - Clermont-Ferrand s'associe avec le Sesc São Paulo pour cette édition PLAY afin de présenter des artistes et des pièces patrimoniales textiles des cinq continents.
PLAY comme une incitation à emprunter une autre voie et à développer un autre regard sur notre société contemporaine. Le FITE - Biennale Textile est une plateforme de regards croisés, générant des rencontres d'un nouveau genre.
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La figure du paysan de Courbet à van Gogh : ceux de la Terre
Collectif
- Silvana
- 23 Août 2022
- 9788836652266
Ceux de la Terre. Auteur Foudral Benjamin, nombre de pages 200, prix 27€ Résumé : Du portrait brutal et cru d'un monde paysan en proie aux passions les plus violentes, dressé par l'écrivain Émile Zola (1840-1902) dans La Terre (1887), à la vision lyrique et héroïque des « gens de la terre » du recueil de nouvelles Ceux de la glèbe (1889) du Belge Camille Lemonnier (1844-1913), les campagnes contemporaines sont l'objet dans la seconde moitié du XIXe siècle de projections idéologiques les plus diverses, qu'elles soient nostalgiques, conservatrices, socialistes, progressistes ou purement esthétiques.
Avec l'émergence du réalisme et de ses deux figures principales, Gustave Courbet (1819-1877) et Jean-François Millet (1814-1875), peintres aux origines rurales, la thématique paysanne dans le champ des beaux-arts se renouvelle et devient un véritable phénomène à l'échelle européenne, transcendant bientôt les mouvements. Réalistes, naturalistes, symbolistes, modernes ou anti-modernes, tous se mettent en quête de la mise en image du paysan, nouvelle figure centrale de la société contemporaine.
Au travers de plus de 80 oeuvres, l'exposition Ceux de la Terre vise à appréhender l'émergence de ce phénomène culturel, tout en approchant l'intention et le regard propre de chaque artiste derrière l'élaboration du monde rural comme sujet pictural. -
Si de nombreux peintres ont entouré et inspiré Bonnard, son épouse, restée dans l'ombre, a été également une artiste. D'abord son modèle et sa muse - de 1893 à 1942, année de sa disparition au Cannet - elle révèle son don à partir de 1921 et signe ses oeuvres sous le nom de « Marthe Solange ». À travers le dessin et plus particulièrement la technique du pastel, Marthe Solange nous invite à la contemplation d'une nature domestique : corbeilles de fruits, bouquets de fleurs, paysages vus par les fenêtres. On n'est jamais loin de la maison où d'ailleurs Marthe, devenue « sauvage » à la fin de sa vie, finira par s'enfermer. Méconnue, elle a pourtant rencontré un certain succès lors de sa seule exposition personnelle, qui eut lieu en 1924 à Paris. Des oeuvres sensibles et délicates que ce volume présente pour la toute première fois.
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Nouv.
Le crin dans tous ses éclats : Tissage d'une fibre d'exception
Collectif
- Silvana
- 28 Août 2024
- 9788836658732
A l'occasion des Jeux olympiques et paralympiques de Paris 2024, et dans le cadre des épreuves équestres qui se déroulent à Versailles, ville voisine du musée de la Toile de Jouy, l'exposition Le Crin dans tous ses éclats. Tissage d'une fibre d'exception célèbre l'union entre l'univers du cheval et l'art textile. Elle met en avant ce matériau méconnu en tant que fibre tissée et en présente les caractéristiques physiques, techniques, artistiques et esthétiques. Le crin de cheval, en effet, est à la fois durable, résistant, rigide, noble, doux et brillant. C'est pourquoi, depuis le 18e siècle, on le plébiscite en Europe dans les domaines de l'habillement et de l'ameublement. Aujourd'hui, il inspire les créateurs contemporains, qui valorisent tout son caractère et sa noblesse dans leur démarche artistique. Au coeur d'un savoir-faire remarquable, le tissage du crin de cheval est encore porté en France par de rares artisans et par l'un des derniers ateliers à travailler cette fibre manuellement : rattaché à la maison Métaphores-Le Crin, créatrice et éditrice de tissus pour la décoration intérieure, il dompte cette matière grâce aux gestes et au regard minutieux des hommes et des femmes qui y créent des pièces d'exception.
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Les indiennes : la création des toiles imprimées des Indes aux manufactures alsaciennes (XVIIIe-XIXe siècle)
Collectif
- Silvana
- 9 Décembre 2022
- 9788836652624
L'histoire des indiennes de coton en Europe est passionnante, car l'ouverture à ces produits nouveaux, importés d'Orient au XVIe siècle via Marseille, puis copiés dans la Suisse et l'Alsace protestantes au siècle suivant - d'abord à la main et ensuite grâce aux premiers procédés d'impression sur textile - est le début d'une véritable aventure industrielle. En suivant le fil du développement des techniques, ce beau volume illustre comment cet art empirique est devenu une industrie, où l'innovation a favorisé la créativité artistique. Le passage d'une connaissance théorique à sa mise en pratique, au début de l'indiennage à Marseille jusqu'aux manufactures alsaciennes, témoigne d'une période de grande créativité, aussi bien sur le plan technique qu'artistique.
Grand format 30.00 €Indisponible
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Victor Vasarely (1906-1997) est l'un des peintres de l'abstraction géométrique les plus célèbres en France et à travers le monde. Consacré par les Américains comme le chef de file de l'Op art dans les années 1960, chantre de la diffusion des images par la voix des multiples dans les années 1970, Vasarely a su captiver l'intérêt de ses contemporains et a marqué durablement l'histoire de l'art. De la mode au design, en passant par le graphisme et l'architecture, aucune discipline n'a échappé à l'influence du plasticien formé à la publicité.
Cette exposition propose de découvrir, parmi le large spectre d'oeuvres de Vasarely, un ensemble d'études, de peintures et de multiples qui témoigne de son indéfectible volonté de produire et de partager un art destiné à un toujours plus grand nombre. À l'heure des premiers ordinateurs, il propose son Alphabet plastique hérité du Bauhaus, breveté en 1959, associant des formes simples aux couleurs primaires et une géométrie binaire cercle/carré, pour développer un langage plastique basé sur des algorithmes. Ses recherches préfigurent ce que l'on nommera plus tard le Computer Art, mais aussi les technologies, aujourd'hui intégrées à notre quotidien, que sont la réalité augmentée et la 4D, appliquées au cinéma, au jeu virtuel comme à l'art.
Six artistes contemporains du numérique - Daniel Canogar, Miguel Chevalier, Pascal Dombis, Dominique Pétrin, Sabrina Ratté et Flavien Théry - ont été invités à faire dialoguer leurs oeuvres avec celles de Vasarely afin de montrer la vivacité des recherches plastiques et technologiques initiées par celui-ci il y a plus de soixante-dix ans. -
Félix Valloton, connu pour ses peintures de paysages, s'est en réalité fait connaitre par ses illustrations en noir et blanc et ses gravures sur bois. En dix ans à peine, il réussit à marquer profondément l'avant-garde parisienne ; il rejoint meme le groupe des nabis.
Ses oeuvres, d'une apparente simplicité, sont aussi complexes que leur auteur.
Publié à l'occasion de l'exposition du Musée Bonnard dédiée à Vallotton, cet ouvrage revient sur les oeuvres en noir et blanc de l'artiste.
Exposition : Musée Bonnard du Cannet, du 31 mars au 30 juin 2022.
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Peintre, poète, résistant et grand rénovateur de la tapisserie, Jean Lurçat (1892-1966) est un artiste engagé dans son époque et passionnément curieux du monde.
Le Mobilier national, en partenariat avec la Fondation Jean et Simone Lurçat et l'Académie des Beaux-Arts (Institut de France) lui consacre à la Galerie des Gobelins une exposition d'envergure, la première à Paris depuis la rétrospective que lui a dédié le Musée national d'art moderne en 1958.
Richement illustré, suivant le parcours de l'exposition, cet ouvrage débute par le regard porté par l'architecte Jean- Michel Wilmotte sur l'oeuvre de Lurçat. Il aborde ensuite les grands jalons de sa carrière : sa peinture, les commandes des Manufactures nationales, sa collaboration privilégiée avec les ateliers d'Aubusson.
Enfin, il offre un appareil critique inédit permettant de comprendre la démarche créatrice de Lurçat, d'être témoin de ses échanges avec les artistes de son temps et de s'immerger dans son univers poétique.
Exposition, Paris, Galerie des Gobelins, du 4 mai au 18 septembre 2016.
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Le livret Chrétiens d'Orient, reflet de l'exposition qui se déroulera à l'Institut du monde arabe à Paris et au MUba Eugène Leroy à Tourcoing en 2017-2018, a été rédigé spécialement pour le jeune public.
Pourquoi les chrétiens d'Orient sont-ils répartis en plusieurs églises ? comment vivent-ils leur foi dans des pays où les musulmans sont majoritaires ? quelles relations ont-ils entretenu avec les autres Eglises chrétiennes, catholique, protestante ou orthodoxe ?
Autant de questions auxquelles répond ce petit livre, permettant au lecteur de démêler les fils d'une histoire complexe.
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Nouv.
Gérard Rancinan et Caroline Gaudriault croisent leurs regards depuis plus de vingt-cinq ans. Ils conçoivent ensemble des projets artistiques en instaurant un dialogue, qui part de la photographie et de l'écriture et se poursuit au travers d'installations ou d'oeuvres cinématographiques. Poursuivant un même fil de discussion sur le positionnement de l'Homme dans la société, ils travaillent à partir d'une même réflexion sur notre rapport à la Modernité, à l'héritage culturel, aux contradictions sociales en usant de toute la fantasmagorie, l'impertinence, l'humour et le décalage nécessaires qui permettent le questionnement tout en évitant les supposés péremptoires. Ils ont créé une nouvelle forme scénographique qui répond aux réflexions et aux propos qui les engagent entièrement.
Le dialogue de ce duo prend une forme originale sur la scène internationale de l'art contemporain. -
Proche de l'esthétique de l'art brut et du surréalisme, mais artiste singulier, Louis Pons fut d'abord un dessinateur exceptionnel. Son trait d'encre à la plume, rapide, vivant, s'entrelace et se superpose jusqu'à faire surgir des êtres énigmatiques, dont la nature - humaine, animale ou végétale - demeure parfois ambiguë.
A partir de 1959, en réaction à de graves problèmes de vue, Louis Pons transposa son univers dans des assemblages. De ces bouts de rien, de ces objets de rebut qui, dépossédés de leur fonction, ne sont plus que la carcasse d'eux-mêmes, il fabriqua sans relâche des objets qui exercent un pouvoir quasi-magique d'attraction-répulsion chez le spectateur. Louis Pons, homme des mots, du tracé et des traces, nous entraîne dans un monde fantastique, parfois cauchemardesque quand il n'est pas mis à distance par l'humour qui en dissipe les monstruosités. Le catalogue de l'exposition présente près d'une centaine oeuvres : les dessins aussi bien que les assemblages, tandis que la genèse de l'oeuvre sera illustrée par des images de photographes remarquables. -
Coskun (1950) crée depuis quarante ans une oeuvre taillée dans la masse qui concentre dans la représentation du corps les intentions abouties et expérimentales de la figure humaine. Il s'inscrit dans le contexte particulier des créateurs qui renouvellent la sculpture dans l'esprit de l'indépendance filiale ouverte par Germaine Richier (1902-1959) autour de l'humanité affectée.
Un regard qui s'accompagne de l'expressivité des surfaces, de l'expérimentation des matériaux comme du renouvellement des moyens, alliant construction et imagination. En développant pleinement son oeuvre dans l'arbre et la nature, il participe aux recherches qui nourrissent la sculpture.
Ce que le poète et dramaturge Fernando Arrabal, le philosophe Jean-Paul Jouary et les historiens de l'art Laurence d'Ist, Claire Maingon et Necmi Sönmez observent avec justesse dans le travail de l'artiste. -
Les Impressionnistes, les premiers ont accordé à l'enfant un statut particulier, indépendant du portrait de commande qui était jusqu'alors le seul vecteur de leur représentation. À leur tour, les Nabis sont certainement ceux qui, à la fin du XIXe siècle, mettent les enfants au coeur de leur mécanique picturale, qui oscille entre sphère privée et publique, inaugurant un nouvel espace de liberté créative. Cet univers complexe est à la croisée de celui de la famille, du jeu, des jardins, de la rue, de la musique, de l'illustration et de la photographie qui sont autant de sujets qui les ont inspirés durablement.
L'exposition accorde une certaine visibilité aux oeuvres de Bonnard, Vuillard, Vallotton et Denis, sans oublier Lacombe, qui sont les principaux protagonistes d'une image nouvelle de l'enfance. Sont également représentées en marge du mouvement nabi, les oeuvres sensibles de Delâtre, Evenepoel, Maillol, Müller et Lemmen.
Avec les essais d'Isabelle Cahn, Paul Denis, Dominique de Font-Réaulx, Emmanuel Pernoud, Sylvie Patry et Véronique Serrano, ce catalogue offre une vision générale et savante du sujet. -
Hyper sensible : un regard sur la sculpture hyperréaliste
Collectif
- Silvana
- 12 Mai 2023
- 9788836653638
Seule collection publique française à conserver une sculpture de l'Américain Duane Hanson, le Musée d'arts de Nantes a choisi pour cet ouvrage d'aller au-delà d'un état des lieux historique de cet art figuratif méticuleusement réaliste, pour affirmer le caractère profondément humain et sensible des sculptures hyperréalistes.
Entre émotion et fascination, identification et rejet, onze sculpteurs et sculptrices occidentaux, usant de façon exclusive ou ponctuelle de la représentation hyperréaliste, sont ici réunis. Parmi eux, Duane Hanson et John DeAndrea font figures de représentants de la première heure, mais ce catalogue illustré, reproduisant des oeuvres pour certaines inédites, souligne également l'importance du travail de Gilles Barbier, Berlinde De Bruyckere, Daniel Firman, Sam Jinks, Tony Matelli, Sanaa Murtti, Evan Penny, Marc Sijan et Tip Toland. Chacune à sa manière, leurs oeuvres entrent en écho avec les enjeux de la sculpture et du portrait pour placer l'individu social, sensible et singulier au centre de la démarche artistique. L'être humain dans toute sa complexité devient source de création.
Pour contextualiser, éclairer et approfondir ces enjeux, le regard de la commissaire Katell Jaffrès rencontre les approches historiques et phénoménologiques de l'historien de l'art Didier Semin et du philosophe Charles Bobant. Textes, oeuvres et images questionnent ainsi nos représentations des corps, des individualités, des sensibilités.
